Sa relation avec son père, qui considère Diego comme un faible, est également intéressante. Fairbanks trouve les mines les plus justes et touchantes dans les scènes plus graves, parfois assez douloureuses. Et évidemment, il est un Zorro crédible et magnifique. Peu avant sa première apparition, quand Diego sort d’un bar dans l’ombre, de dos avec son manteau noir, il est déjà Zorro. Il est même un Zorro quelque peu frivole au début et assez peu concerné par le sort des pauvres si ce n’est par son discours (un politicien quoi) mais arrange tout sur la fin en ralliant à sa cause les nobles de Californie (!). Moment drôle, ou cynique : quand il part libérer ses alliés et sa belle de prison, il ne libère pas tous les prisonniers de la cellule, les laissant à leur triste sort !

Derrière la caméra, Fred Niblo laisse Douglas Fairbanks assurer le spectacle mais impose quelques scènes excellentes typiques de l’époque d’où peut jaillir une violence inattendue (les coups de fouet sur le moine) et un travail sur les ombres ici très réussi. Accusant parfois son âge, nanti d’une musique un peu kitch, Le Signe de Zorro avec son joli dernier moment romantique (avec un baiser « au mouchoir ») est un bon film d’aventure, à voir pour un Douglas Fairbanks « total ».

Chef d’oeuvre. Ceux qui ne voient dans le cinéma français des années 80 qu’une succession de films auteurisant bas de gamme et de grosses comédies doivent voir ce joyau de Claude Miller et, pourquoi pas, son meilleur film (j’ai vu six films du réalisateur). Il faut prendre ce titre, Mortelle Randonnée, au pied de la lettre puisqu’il s’agit de l’Oeil (Michel Serrault), détective devenant ange gardien, suivant Catherine (Isabelle Adjani). La jeune femme est prise dans une spirale meurtrière, parcourant une Europe désenchantée où l’on croise des personnages drôlement déconcertants (et des acteurs tous authentiquement incroyables) avec des noms à l’avenant : Madame Schmidt-Boulanger, Ralph Forbes, Michel de Meyerganz, Cora Palenbrg, Voragine…

A l’écriture, Audiard père et fils donnent le meilleur d’eux-même pour adapter ce roman de Marc Behm, écrivain vraiment intéressant (au vu de son interview dans le bonus du DVD). Son histoire fut prévue pour le cinéma mais dont il fit un livre suite au manque de motivation des producteurs US (l’adaptation sera finalement faite en 1999 avec Voyeur de Stephen Elliott avec Ewan McGregor) . Si le propos est grave, la dialogue est réjouissant à l’extrême, très souvent drôle mais aussi poétique et triste, culte en fait. La première scène, au téléphone, est extraordinaire et met les pieds dans le plat : l’obsession de l’Oeil pour retrouver/fantasmer sa fille décédée (Serrault et Audiard en ont chacun fait l’amère expérience quelques années auparavant). Un mélange de désabusement et d’amour paternel, protecteur et attentif, traverse le personnage de Michel Serrault dans ce qui est, pourquoi pas, son meilleur rôle (j »ai vu a vingt-deux films de l’acteur). Ce cocktail troublant associé à la personnalité insaisissable de Catherine, femme fatale en puissance aux mille visages, confère au film une ambiance profondément étrange.

Avec un sujet complexe et un dialogue de ce niveau, Claude Miller se devait de soigner sa mise en scène. Avec un budget conséquent, il nous promène dans toute l’Europe avec des décors chiadés aux mille détails où les télés ne passent presque que des images d’animaux comme de curieux aquariums. Les images, magnifiés par Pierre Lhomme (qui officiait aussi sur l’Armée des Ombres), saisissent des instants admirables. L’apparition d’Adjani près d’un manège rappelle par sa fulgurance, son montage abrupt et son côté clinquant (c’est bien une star qui surgit de l’écran) celle d’Orson Welles dans Le Troisième Homme (la première fois que je voyais un film avec lui en plus, quel choc). Miller donne aussi à Mortelle Randonnée des allures de film noir, de thriller (le meurtre à la Psychose dans la piscine, le règlement de compte avec les maîtres chanteurs) tout en nous entraînant (enfermant ?) au cœur de l’esprit du détective où se chevauchent absurde (le saut dans la piscine) et fantastique (instants « autres », télépathie).

Alors qu’il reprenait l’équipe gagnante de Garde à vue, sortie l’an passé, avec le quatuor Miller/Audiard/Serrault/Marchand, ce film fut un échec complet à sa sortie. Adjani empocha le césar de la meilleure actrice mais pour l’Eté Meurtrier, tandis que l’on célébrait A nos amours de l’auteuuuur Pialat (la bande-annonce laisse songeur). Mortelle Randonnée n’est cependant pas un film qu’on risque d’oublier.

L’affiche ne rend absolument pas hommage au film.

Il faut absolument revoir ce film qui est d’une troublante actualité. Dans des décors de pays de l’Est (le film est tourné en Yougoslavie), la société décrite semble uniforme, européanisée et surtout à bout de souffle. La pauvreté est partout et il y des licenciements économiques et un ministre du chômage, une monnaie unique (le dollar !), l’accès aux armes à feu, l’euthanasie (ou « suicide librement consenti » !). En parallèle, Boisset décrit à travers la chaine de télé produisant le Prix du danger une société du fric facile et de l’appât du gain, de l’audience reine et des patrons complaisants décidant littéralement du sort des autres dans leur tour de cristal. Une partie du film se déroule donc dans le bureau du président de la chaîne (Bruno Cremer) avec son staff.

Pour illustrer son propos, Boisset est direct et use aussi d’un humour odieux et génial. Ainsi, quand l’avion d’un candidat s’écrase, entraînant sa mort, le présentateur du jeu s’exclame : »C’est la dure loi du sport ». L’animateur superstar, c’est un Michel Piccoli exceptionnel, s’enflammant et cabotinant à outrance pour ce jeu de télé-réalité voyeur à la publicité omniprésente et ultra criarde. Dans le rôle très physique du candidat, Gérard Lanvin est énorme, héros attiré par le pognon et qui n’a pas grand chose à perdre, devenu enragé par le système et ses règles.

En plus de Piccoli, Cremer ou Lanvin, Le Prix du Danger est un festival de tronches des années 80 avec un casting de tueurs remplis de violence et prêts à l’extérioriser, et un quatuor de femmes : Gabrielle Lazure, Andréa Férréol, Catherine Lachens (vu en camionneuse nymphomane dans Je suis timide mais je me soigne) et Marie-France Pisier. Malgré un certain préci-précha de mauvais aloi en court de route, Pisier, qui était insipide de l’As des As, trouve ici un rôle vraiment mémorable et glaçant, en phase avec son allure et ses cheveux impeccables. Le final, via son discours horriblement sincère, est terrifiant.

En transposant un thème de cinéma vieux comme Les Chasses du Comte Zaroff à la télévision, Yves Boisset livre un film puissant et sans concession, expression galvaudée convenant tout à fait au Prix du Danger. Et mine de rien, au delà des tics et trucs des années 80, il pousse à l’extrême des constats de son époque et finit par préfigurer notre propre société. On peut bel et bien parler d’un film visionnaire.

Pas de surprise avec L’As des As, gros succès à sa sortie, qui fait presque figure de modèle de la période. Tout le film gravite autour de la star ici entraîneur de l’équipe olympique de boxe et entraînée dans le sauvetage de juifs dans l’Allemagne de 1936. En dehors de Belmondo, il n’y a pas grand chose si ce n’est l’illustration d’une belle amitié entre lui et un officier nazi (Frank Hoffman), amitié forgée lors d’un combat aérien pendant la première guerre, et qui donne un état des lieux de la nation sous Hitler avec un peuple enthousiaste, galvanisé. Le gamin (Rachid Ferrache) fait ce qu’on attend de lui et l’humour potache se paye la tronche des nazis un peu comme dans Papa Schultz avec par exemple un seul acteur (Günter Meisner) interprétant Adolf Hitler et sa sœur… Enfin, Marie France Pisier est jolie mais mauvaise. Absolument.

L’As des As demeure quand même amusant et l’abattage de la star toujours aussi réjouissant et drôle porté par une musique solide de Vladimir Cosma. Il nous gratifie en outre de quelques belles prouesses physiques et acrobatiques notamment en avion et c’est vraiment impressionnant. Bref mais impressionnant. On a juste le temps de faire un « oh! » puis ensuite prendre la mesure de ce que nous venons de voir. J’adore ça.

Belmondo est vraiment bon dans ce film dans un rôle d’un homme marqué, enfant gâté qui a tout vu et vieux sage un poil têtu, ce pourquoi il essaye de reprendre les affaires de son ex-entreprise, maintenant en difficulté, en mains par l’intermédiaire d’Anconina. J’ai peu de souvenirs de Tchao Pantin donc je me laisse croire que c’est le meilleur film d’Anconina. Leur histoire commune est tendre et le film est souvent amusant à l’image la scène anthologique où Sam Lion explique à son protégé comment ne pas avoir l’air étonné. On n’oubliera pas pour autant les seconds rôles, formidables, avec une mention spéciale à Daniel Gélin, en père blasé et heureux.

Et il y a cette touche personnelle, propre à Lelouch je pense, à trouver la légèreté dans des situations casse-gueules (les retrouvailles) et inventer des personnages tourmentés d’où ressort paradoxalement du bonheur et du plaisir. Le réalisateur est bien un amoureux de la vie même quand il rencontre le pire dans la chute glaçante de Partir Revenir. Itinéraire d’un enfant gâté est un beau film.

Et toujours sans surprise, le film est très mauvais. Mais à la différence de BloodRayne, le film ne dispose d’aucun niveau de lecture « nanar » et d’aucun plan fesse ou gore, la faute à ce gros budget justement qui impose que le film soit visible par le plus grand nombre. Le film est long et ennuyeux. Les scènes de bataille sont mornes, une sorte de spectacle de marionnettes. Les nombreux plans larges avec beaucoup de figurants tout comme les « chorégraphies » n’apportent aucune ampleur, aucune émotion. L’histoire n’est que bavardage, acteurs récitants leurs répliques (la manière classique pour Boll de diriger son casting ?) et cabotinages pesants. Le vacuité en somme. Le vide. L’état français n’aurait pas fait mieux avec tout cet argent.

Il ne reste au spectateur courageux (ou bête) que deux moyens de se divertir : l’histoire et le casting. King Rising dispose comme BloodRayne d’un casting délirant : Jason Statham, Ron Perlman, Ray Liotta, Burt Reynolds, Claire Forlani, Leelee Sobieski, Kristinna « Rayne » Loken, Matthew Lillard, John Rhys Davis… Les impôts sont-ils passés par là ? En tout cas, ils sont uniformément nuls. Matthew Lillard est le seul à ne pas sortir de la torpeur générale et semble se toujours croire sur le tournage de Scoubidou.
Quant à l’histoire, King Rising est littéralement la version du Seigneur des Anneaux d’Uwe Boll. On peut donc s’amuser à trouver dans le film les nombreux points communs. Les orcs sont remplacés par des hommes chien (notons que nous ne voyons jamais plus d’une demi-seconde un gros plan de ces créatures – problèmes de maquillages foireux ? En fait, il s’agirait plutôt de masques), Saroumane et Sauron sont remplacés par Gallian (Ray Liotta) qui effectue ses combats à distance, le héros va devenir roi, les elfes sont représentés par des peuples de la forêt acrobates (et pathétiques), Gandalf est remplacé par Merick (John Rhys Davies qui passe donc du très haut au très bas dans le même genre puisqu’il a un des rôles principaux du Seigneur des Anneaux)… etc. C’est un peu amusant. Mais tout ceci ne fait pas un film. Je déconseille vivement ce film pénible à tout amateur de bon film, bien sur, mais aussi aux amateurs de nanars qui se rabattront avantageusement sur BloodRayne s’ils veulent découvrir l’ « œuvre » d’Uwe Boll.

Et pour le coup, il faut bien convenir que le « spectacle » est vraiment gratiné alignant les grosses ficelles, les ellipses douteuses, les fautes de montages, la caractérisation étrange des personnages (on ne sait jamais trop ce qui les motive) et les retournements de situation les plus navrants avec un soucis du non spectacle qui fait presque plaisir à voir. Oui, BloodRayne fait bien partie de ces nanars « si mauvais qu’ils font rire ». Dans le genre, on retiendra les combats à l’épée qui semblent improvisés, je veux dire que je pense être meilleur que Rayne au sabre, mais aussi l’aspect bien gore crade du film avec nombre importants de décapitations et d’effets sanguinolents notamment lors de l’attaque du couvent. Il y a aussi la surprise de voir un casting prestigieux : Kristinna Loken (la terminatrix de Terminator 3), Michael Madsen, Udo Kier, Meat Loaf, Billy Zane, Michelle Rodriguez, Geraldine Chaplin, Ben Kingsley… ouf ! La plupart sont en roue libre et certains se contentent tout simplement de marmonner leurs répliques comme une simple récitation (véridique : Michael Madsen fait vraiment ça). C’est assez stupéfiant à voir. Ajoutons à ce cocktail un peu de fesse, avec un léchage de téton que je trouve plutôt anthologique (surtout quand on regarde le film dans un train bondé), pour conclure que, ma foi, voir BloodRayne ne fera sans doute certainement pas plus perdre de temps au spectateur que la vision d’un film français standard sorti la même année (reconnaissons que BloodRayne bénéficiait quand même d’un budget confortable de 25 millions de dollars).

Petit détail : j’ai vu la version « Unrated ». Je ne sais pas trop ce qu’elle comporte mais je me demande si toutes les scènes encore plus gores ont été ajoutées à la fin. A l’issue du métrage, nous voyons Rayne se poser en vainqueur sur le trône puis fixer un point derrière la caméra. Et le montage fait resurgir plusieurs scènes du film avec des plans très gores (vraiment dégueu) pour revenir au visage de Rayne et au générique. C’est un peu comme si nous avions eu droits aux scènes coupées pendant la fin du film. Incroyable !

Mieux vaut lire nanarland pour en savoir plus (et mieux).

La production suivante du réalisateur fut une nouvelle adaptation de jeu, celle du célèbre Alone in the Dark. Budget confortable (20 M$) et casting solide : Christian Slater, Stephen Dorff et une Tara Reid essayant de se diversifier après pas mal de comédie pour ado. Le film est un four au Box Office et surtout un four critique. Mais Uwe Boll se spécialise pourtant dans le genre et continue d’enchaîner les films d’action parfois relativement onéreux : In the Name of the King: A Dungeon Siege Tale coûte quand même 60 M$. Tout une communauté d’internautes engagea une véritable campagne de dénigrement systématique, lui suppliant même d’arrêter le cinéma. Uwe Boll les provoque en les défiant alors à un combat de boxe. Ceux qui acceptèrent se prirent alors un coup de Boll, plutôt un signe de malchance ici. Et Uwe Boll poursuit avec une assurance insolente sa carrière. Ca mérite qu’on s’y attarde.

Mon premier film de Uwe Boll est donc Postal soit une « grosse » comédie mêlant terrorisme, religion, politique et american way of life et un peu LE film d’Uwe Boll. Dans la ville de Paradise, Dude est un chômeur marié à une obèse lubrique et vivant dans une caravane. Cherchant à se sortir de là, il s’allie à ami devenu gourou d’une secte pour voler des caisses d’une célèbre poupée allemande, Krotchy Dolls, qu’ils pourront vendre à prix d’or aux enchères. Mais des terroristes islamiques emmenés par Ben Laden, vivant aux USA, ont la même idée, en vue d’un attentat à l’arme bactériologique.

Comme une sorte de réponse à la célèbre saillie d’Audiard, Uwe Boll ose tout : terroristes demandant à Ben Laden le nombre exact de vierges au paradis avant de s’écraser sur une tour du WTC, massacres d’enfants et d’handicapés dans un parc d’attraction, scènes de sexe avec une obèse (farine inclus)… et donc l’accroche du film : Bush et Ben Laden gambadant main dans la main. C’est peu de dire que le film est plus provocant, et vulgaire, que drôle. On ne rit d’ailleurs pas beaucoup, surtout quand on regarde le film dans un Thalys entouré d’hommes et femmes d’affaire. La surenchère permanente (la fusillade à la sécu US est plutôt drôle), quelques plans sexy et la trajectoire vengeresse du Postal Dude constituent malgré tout un plaisir coupable pour les amateurs.

Bande-annonce (qui annonce vraiment la couleur, j’aime bien l’encouragement final de Ben Laden sur le film) :

Quand on regarde l’âge de Cristal, on se dit que Star Wars, sorti un an plus tard, est vraiment moderne, ou bien plus intemporel. Le film de Michael Anderson est en effet très marqué par un style seventies dans les décors, costumes et musique. La séquence du carrousel, le rituel de mise à mort des « vieux » de 30 ans, avec jets de flammes et balai en apesanteur sont la quintessence de ce style. Ce n’est pas mauvais pour autant. Le côté jeux du cirque et la ferveur du public donne beaucoup de force à ce massacre. De même, si la révolution Star Wars n’a pas lieu, le futur décrit et les maquettes sont superbes.

La seconde partie du film est initiée par une confrontation avec un robot kitchissime dont Barney Legendary Stinson s’est forcément inspiré :

L’Age de Cristal raconte alors une sorte d’Adam et Eve découvrant le monde non sans un certain humour (« Everything hurt ») et des superbes décors d’un Washington où la nature a repris ses droits. J’adore ces visions de notre monde ravagé par l’apocalypse et il faut vraiment un truc comme 2012 pour me décevoir. La fin est relativement facile (surchauffe de circuits imprimés) mais ne fait finalement qu’illustrer une société ne reposant sur presque rien. Les derniers moments rappellent fortement ceux de The Island (ce n’est pas la seule similarités en fait).

Côté acteurs, Richard Jordan, en meilleur ami, domine facilement le casting. En Logan, Michael York semble physiquement préfigurer Harrison Ford et Mark Hamill (pour la coupe de cheveux). La ressemblance naturelle avec Harrison Ford a du pas mal lui porter préjudice dans sa carrière. En comparse féminin, Jenny Agutter est vraiment charmante tandis que Farrah Fawcett, que je n’aime pas particulièrement (je dois être trop jeune) a un (petit) rôle très très con et participe aux plus mauvais moments de ce film, par ailleurs sympathique.

La troisième guerre mondiale dura 33 ans de 1950 à 1983. Mais c’est la quatrième guerre qui mit tout le monde d’accord en 5 jours et mit fin au monde telle que nous le connaissons. Vic (Don Johnson, avant Deux flics à Miami) erre dans ce monde désolé avec son chien, avec qui il communique par télépathie, en quête de nourriture… et de sexe. L’introduction géniale met tout de suite en place le lien entre Vic et son chien et leur(s) raison(s) de vivre. Rien de reluisant en somme : »You are not a good person » dit le chien à son maître alors que ce dernier assiste au viol d’une femme et regrette que les ravisseurs l’aient tuée (sauvagement tailladée) car elle aurait pu « servir trois-quatre fois ».

Le générique est une chanson un peu country et semble en complet décalage avec ce désert jonché de souvenirs de notre ancienne société de consommation, d’ordures diverses, de cadavres et de rats. Ce ton, plus propre à la comédie, est celui entre Vic et son chien. Vic n’est pas vraiment le maître mais au mieux un compagnon et souvent un élève/fils puisque le chien enseigne aussi bien la grammaire que l’histoire (!), enchaîne les remarques cyniques tout en rêvant de se rendre sur une terre promise. Leurs échanges donnent un peu de légèreté dans la barbarie ambiante et flirte un peu vers le western comique lors d’un vol de nourriture gonflé avec à nouveau musique country et gunfight.

De Mad Max à La Route, Le Post Apocalyptique est souvent un genre qui se rapproche du western. Sans l’esprit pionnier mais exactement l’inverse vu qu’il s’agit d’un monde qui se termine s’accrochant à quelques souvenirs comme le cinéma, représenté dans Apocalypse 2024 par des films érotiques en noir et blanc dont un western justement, A Fistful of Rawhide, vrai film qu’on risque pas de voir en DVD, et dont le titre emprunte aux titres de gloire de Clint Eastwood (qui joua dans A Fistfull of dollars et la série Rawhide).

Alors qu’on se dit que toute cette histoire va devenir une amourette, via l’apparition très voyeur de Quilla (Susanne Benton), vers la Terre Promise, Apocalypse 2024 bifurque vers une très étrange évocation d’une société ultra-aseptisée et abominable perdue dans une espèce de joie obligatoire. Le village du Prisonnier n’est pas si loin et Quilla devient un personne très troublant. Le film trouve ici toute son originalité jusqu’à une fin relativement logique sur son issue mais avec une ellipse très immorale, tout en humour noir. Scénarisé par Harlan Ellison, A boy and his dog ne vole vraiment pas sa relative notoriété.